„Fragmente einer Bewegung“ ist eine interaktive Soft Sculpture. Das Ziel war es, einen Blick auf die Klimagerechtigkeitsbewegung zu werfen, denn sie besteht aus weit mehr als nur visuellen Protesten.

Eine Hülle, ein Mantel, ein Band – eine Skulptur. Ein Teil der Klimagerechtigkeitsbewegung. Die Forderungen der Aktivisten stehen im Vordergrund des Protests. Die Menschen dahinter bilden jedoch eine Bewegung, die weit mehr ist als das. Wer sind sie und wie fühlt es sich an, Teil davon zu sein?

In einem Workshop mit verschiedenen Aktivisten der Klimagerechtigkeitsbewegung entstand die Formensprache

einer interaktiven Skulptur. Sie sind eingeladen, einzutreten, zu fühlen, zu verweilen und für einen Moment Teil des Objekts zu werden, Teil der Bewegung.

Über die Künstlerin

Xenia studierte Industrial Design an der Folkwang Universität der Künste in Essen. Im Studium setzte sie den Fokus auf Aspekte wie Nachhaltigkeit und Gleichberechtigung und später auf künsterlisch-skulpturale Arbeiten. In ihren Werken beschäftigt sie sich mit Materialität, Sensorik, Interaktivität und nicht-verbalen Kommunikationsformen. Aktuell studiert Xenia an der Frankfurt University of applied Sciences den Master Performative Künste in sozialen Feldern.

 Website:

https://xeniamartin.myportfolio.com/

Workshop im Open Atelier, Wed.4th February, 20:00-22:00

 Jana Heiligs Werke beginnen im Zufall: Kleckse, Linien, Schmierereien. Doch statt im Chaos zu enden, „dreht sie das Ruder”: Sie legt Neonfarben darüber und lässt intuitiv Landschaften entstehen, die sich erst beim Hinsehen formen. Ihre neon-naiven Bildwelten erzählen vom Wandel – vom Mut, eine neue Richtung einzuschlagen. „Turn the Tide“ wird so zur Einladung, Schönheit zu bewahren und Freude im Unerwarteten zu entdecken und den bunten Farben im Leben mehr Raum zu lassen.

Über die Künstlerinnen

Seit ihrer Kindheit experimentiert Jana Heilig mit Farben. Aus Fingerfarben wurden mit der Zeit Acryltinten und Ölkreiden. In ihren neuesten Werken entsteht selbstbezeichnete neon-naive Landschaftskunst, die zwischen Leuchten und Chaos balanciert. Ihre Arbeiten erforschen die Zerbrechlichkeit der Natur und übersetzen Emotionen, Stimmungen und Naturerfahrungen in intuitive, farbintensive Bildwelten.

„Werden, Sein und Vergehen“ hinterfragt alte Schicksalsvorstellungen und ruft zur Übernahme von Verantwortung auf. In einer Zeit ökologischer und sozialer Krisen wird Verantwortung oft abgegeben – an Systeme, Politik oder „das Schicksal“. Das Werk fordert dazu auf, den eigenen Faden wieder selbst zu spinnen: bewusst, frei und verantwortlich gegenüber sich selbst und der Welt. 

Über die Künstlerinnen

Elea lebt und arbeitet in Saarbrücken. Dort studiert sie Bildende Kunst an der Hochschule der Bildenden Künste des Saarlandes. ihre Liebe zu Kunst, Musik und Schönen Dingen, die zwischen Leben und Sein unterscheiden, spiegelt sich in ihrer Arbeit wider.

Website:https://www.eleasart.de

IG: https://www.instagram.com/eleas_art_?igsh=eDZmMzR2ZnRyb3Jp&utm_source=qr

Ausstellung 

mit interaktiver Performance am 13. Februar um 18:00 Uhr

Kannst du die Sonne hören? Hören wir zu? Solar Platter for Winterwerft lädt uns ein, unseren nächsten Stern im Zeitalter des Anthropozäns neu zu entdecken. Astronomen haben lange nach der Quelle der Wärme der Korona in monströsen Schleifen aus Sonnenplasma über der Photosphäre gesucht. Und so entsteht eine grenzenlose, interdisziplinäre Zusammenarbeit zwischen Esther Saladin, Inês Rebelo und Silvia Rosani. Freuen Sie sich auf eine partizipative Cello-Performance, flackernde Wurzeln, Heizungen im Countdown und bewegte Zeichnungen.  

Über die Künstlerinnen

Inês Rebelo ist Künstlerin, Digital Media Designerin und Pädagogin. Im Mittelpunkt von Rebelos Arbeit steht eine astronomische Expedition. Ihre jüngsten Werke, die sich vor allem mit Zeichnung, Malerei und Installation befassen, regen uns dazu an, unseren nächsten Stern im Kontext des Anthropozäns neu zu betrachten.

https://www.inesrebelo.info/ 

Silvia Rosani studierte Komposition in Italien und an der Mozarteum Universität Salzburg, während sie gleichzeitig einen Abschluss in Elektrotechnik absolvierte. Sie promovierte an der Goldsmiths, University of London, wo sie als Associate Lecturer tätig war. Sie ist Professorin für Computermusik am Conservatorio B. Marcello in Venedig.

https://www.silviarosani.it/home 

Esther Saladin, Cellistin aus Frankfurt, tritt als Solistin, Kammer- und Ensemblemusikerin auf.

Esther ist Mitglied des Ensemble Ubu und des Trio Radial. Sie hat zahlreiche Werke für Violoncello solo sowie Kammer- und Ensemblestücke uraufgeführt. In Zusammenarbeit mit anderen Künstlern entwickelt Esther eigene Musikprojekte (SCHATTENSTIMME, PLEXUS, WHITE MASKS).

https://www.esthersaladin.com/

Alltag bedeutet Kultur: Kulturelle Handlungen, Ansichten und Bräuche prägen unser Umfeld und machen uns zu einer Gemeinschaft. Der Künstler Tôkpéou Gbaguidi haucht Alltagsgegenständen neues Leben ein. Ausrangierte Gegenstände, die das Ende ihrer Nutzungsdauer erreicht haben, erhalten durch Neukombination eine neue Funktion und werden für die Kunst reaktiviert. Stühle werden zu zweidimensionalen Objekten mit geschnitzten Gesichtern und Symbolen. Obwohl sie ihre ursprüngliche Funktion verloren haben, erzählen diese Objekte weiterhin Geschichten über die Menschheit. Tôkpéou Gbaguidi beschäftigt sich in seinen Beobachtungen von Menschen und Tieren, Kontrolle und Emotionen mit den Themen Kommunikation und Gemeinschaft. Seine Kunstwerke sind emotionale Collagen aus Kontrasten, aus westafrikanischer und europäischer Kultur. 

Über den Künstler

Tôkpêou Gbaguidi ist seit 1998 als bildender Künstler tätig. Mit Gemälden, Installationen und Skulpturen reflektiert er globale soziale und kulturelle Themen. Seine Werke wurden in Benin, Nigeria, Kenia, Frankreich, England, Polen und Deutschland – seinem heutigen Wohnort – ausgestellt. Tôkpéou, geboren am 20. Januar 1975 in Porto Novo (Benin), studierte zunächst Informatik. Später gab er jedoch seinen Beruf als Programmierer und Grafiker auf, um seinem Wunsch nachzukommen, seine Neugier zu stillen und sein Bedürfnis zu verwirklichen, durch Kunst zu kommunizieren.

Zwei wiederentdeckte Filme von Adriana Kohn

„Wurzeln der Erinnerung“ vereint zwei Kurzfilme aus den frühen 1990er Jahren ‒ Secreto de campo und Encuentro?. Beide Werke wurden in Tucumán, Argentinien, unter einfachsten technischen Bedingungen realisiert und erst nach drei Jahrzehnten wiederentdeckt. Für Adriana Kohn, die seit etwa dreißig Jahren in Deutschland lebt, bedeutet diese Wiederbegegnung mehr als ein künstlerischer Rückblick ‒ es ist ein Akt der Erinnerung, ein Dialog mit einer früheren Version ihrer selbst und mit einer Zeit, in der Kunst ein Mittel des Widerstands und der Gemeinschaft war. Die Filme verbinden Poesie, Symbolik und soziale Realität. Sie zeigen Frauen, Arbeiter:innen, Kinder ‒ Menschen aus ihrem Umfeld, die Teil einer kollektiven, handgemachten Filmkunst wurden. In einer Zeit ohne digitale Technik war jedes Bild ein Stück Geduld, Improvisation und Hingabe. Diese Arbeiten, die Themen wie Diktatur, Gewalt, Körper, Mythos und weibliche Identität behandeln, sind heute aktueller denn je. „Wurzeln der Erinnerung“ ist ein Projekt über das Erinnern, das Überleben und das Unsichtbare, das weiterlebt.

Kurzfilm 1: Secreto de campo

„Secreto de campo“ ist ein poetischer Kurzfilm, der in den ländlichen Gebieten von Tucumán spielt ‒ einer Region, die von Zuckerrohrfeldern und den Erinnerungen an die Militärdiktatur geprägt ist. Die Geschichte verbindet reale und mythische Elemente: Während Arbeiter und Arbeiterinnen verschwinden, entsteht die Legende eines riesigen Hundes ‒ „El Familiar“ ‒, der angeblich die Schuldigen verschlingt. Hinter dem Mythos offenbart sich ein System der Angst und Unterdrückung. Das Werk verwebt Themen wie politische Gewalt, kollektive Angst und weibliche Identität. Mit einer poetischen Bildsprache und der Beteiligung nicht-professioneller Darsteller:innen ‒ unter ihnen eine kleinwüchsige Person, Arbeiter:innen und Kinder ‒ entsteht ein Stück visueller Volksdichtung und ein Spiegel einer Zeit des Schweigens.

Kurzfilm 2: Encuentro?

„Encuentro?“ entstand im Jahr des 500. Jahrestages der sogenannten „Entdeckung Amerikas“. Während vielerorts gefeiert wurde ‒ als „Begegnung zweier Kulturen“ ‒, stellt der Film diese Erzählung infrage. Eine moderne Frau beginnt, Fleisch abzulehnen, während parallele Bilder indigener Völker und Schlachthofgeräusche die Verbindung zwischen kolonialer und körperlicher Gewalt offenlegen. Das Werk ist eine leise, aber kraftvolle Anklage gegen die Auslöschung, die im Namen des Fortschritts geschieht, und zugleich eine Suche nach Bewusstsein und Mitgefühl.

Biography

Adriana Kohn ist eine argentinische Künstlerin, Schauspielerin, Sängerin und Filmemacherin. In den frühen 1990er Jahren realisierte sie in Tucumán mehrere unabhängige Videoarbeiten und war als Theaterschauspielerin aktiv. Seit rund dreißig Jahren lebt sie in Deutschland, wo sie in verschiedenen künstlerischen und theatralischen Projekten mitwirkt. Die Wiederentdeckung und Digitalisierung ihrer Filme hat in ihr den Wunsch geweckt, die filmische Arbeit erneut aufzugreifen ‒ als Fortsetzung einer künstlerischen Reise, die nie aufgehört hat, in ihr weiterzuleben.

Als ich diese Filme nach so vielen Jahren wiederfinden und digitalisieren konnte, war das ein sehr bewegender Moment ‒ fast wie eine Wiedergeburt. Es war, als hätte ich einen Teil meiner eigenen Erinnerung zurückgewonnen. Nach so langer Zeit in der Ferne wurde mir klar, dass ich nie aufgehört habe, Argentinierin zu sein ‒ nie aufgehört habe, die Künstlerin zu sein, die ihr Umfeld, ihr Land und seine Menschen mit Liebe und Wahrhaftigkeit zeigen wollte. Diese Bilder haben mich daran erinnert, dass diese Wurzel in mir weiterlebt, dass Kunst ein Gedächtnis hat ‒ und dass Erinnerung, wenn sie wieder ans Licht kommt, uns neues Leben schenkt.

“Unfassbare Zeit”, 2020, 3min
Unfassbare Zeit – Fassbares Bild. Ein Augenblick ins Vergangene oder ein Wunsch für das Zukünftige – schnell vorbei. Vor dem inneren Auge tauchen Bilder von Orten, Situationen oder Menschen auf, werden Interpretationen fröhlicher oder trauriger Momente ohne die Chance.

“Schnittstellen”, 2020, 1min

Wir begegnen uns häufig in unserem Leben, unsere Wege überschneiden sich schicksalhaft. Danach bin ich meist alleine an diesem Ort, mit meinen Gefühlen, Gedanken und Ideen. Schnittstellen sind Orte, an denen sich unser Leben wendet, eine andere Richtung einschlägt und den vorgeplanten Weg verlässt.

Biografie

Irena Paskali wurde 1969 in Mazedonien geboren und lebt und arbeitet derzeit in Köln. Bevor sie an der Kunsthochschule für Medien in Köln studierte, wo sie 2007 ihren Master of Arts abschloss, absolvierte sie die Akademie der Bildenden Künste in Skopje. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht immer der Mensch. So beschäftigt sie sich mit der Fragmentierung von Kulturen und Religionen, Fragen der Identität und Entfremdung. Sie erhielt internationale Stipendien, Auszeichnungen, hatte Einzelausstellungen und nahm an vielen internationalen Gruppenausstellungen teil.

http://www.paskali-i.de 

Das Werk wurde bisher nur online in Amparos Portfolio gezeigt und würde zum ersten Mal als eigenständige Installation für „Turn the Tide” präsentiert werden.

Die Arbeit thematisiert eine bestimmte Vorstellung von kulturellem Wandel. Sie stellt zwei mächtige Elemente gegenüber: Der jahrhundertealte christliche Turm, ursprünglich mit traditionellen Bräuchen und Symbolen verbunden, ist nun von einer seltsamen, fremdartigen und hyperfuturistischen Energie erfüllt. Das Gebäude ist dasselbe, aber sein „Zweck“ ist offen für neue Symbolik in den aktuellen gesellschaftlichen Ereignissen.

Im Rahmen von „Turn the Tide“ wird das Werk zu einer Reflexion über den Zusammenprall unterschiedlicher Ideologien in einem Raum und darüber, wie diese zusammenwirken können. Es wird zu einer Reflexion über bestehende (ideologische) Räume und darüber, wie diese in einem offenen neuen Zukunftskontext, angepasst an die heutige Zeit, wiederverwendet werden können.

Bio

Mein Leben dreht sich um die Suche nach Bewegung: Bewegung innerhalb von Kultur und Gesellschaft, im künstlerischen Schaffen, in der räumlichen Erfahrung – Räume, in denen Muster ständig hinterfragt, aufgebrochen und neu gedacht werden.

Ich habe die Hälfte meines Lebens im Süden Spaniens verbracht und bringe eine tiefe Erfahrung im Kennenlernen verschiedener Kulturen mit. Mein Hauptthema ist es, völlig unterschiedliche Räume zusammenzubringen, zu erforschen und zu beobachten, was dann passiert.

https://amparo-lippek.com/ 

Die Vorstellungskraft ist nicht von der Realität losgelöst. Sie beherbergt alle Informationen, die wir aus der Außenwelt erhalten. Perla ~ joya ~ agua, Agua ~ joya ~ tierra (Perle ~ Juwel ~ Wasser, Wasser ~ Juwel ~ Erde) ist eine Serie von Zeichnungen, die sich um Wasser drehen und in verschiedenen Formaten und Landschaften auf organischen Körpern erscheinen. Bilder, die den Konflikt zwischen den inneren und äußeren Gewässern der Welt, zwischen Fragilität und Rohstoffabbau, zwischen Leichtigkeit und Heimtücke untersuchen. Wenn Perlen die Juwelen des Wassers sind, sind dann Gewässer die Juwelen der Erde?

Workshop Open Atelier am Mittwoch, 11.2. Von 20:00 bis 22:00 Uhr

Sprache: Spanisch und Übersetzung nach English

Strokes between drawing and writing

Dieser Workshop schlägt vor, neue Beziehungen zwischen Zeichnen und Schreiben zu erforschen. Durch verschiedene experimentelle Übungen werden wir eine innere Landschaft konstruieren, um mit Bildern in Dialog zu treten, über das zu schreiben, was sie in uns hervorrufen, ihre symbolische Natur zu entdecken und uns den Fragen zu öffnen, die sie aufwerfen. Ein Raum, in dem sich visuelle und schriftliche Praxis gegenseitig befruchten und zu einem Durchgang ausweiten, von dem aus wir unser Inneres mit kreativer Arbeit verbinden können.

Bio

Pierina Lategola ist eine argentinische Künstlerin, deren Arbeit Zeichnen, physisch-rituelle-somatische Praktiken, Butoh-Tanz, Stimmimprovisation und Poesie verbindet. Ausgebildet an der Universidad Nacional de las Artes (Buenos Aires) und in verschiedenen Workshops, erforscht sie Formen des Schaffens, die mit vergänglichen und imaginären Territorien, dem Nicht-Menschlichen, Träumen, Natur und Intuition verbunden sind. Sie verwendet Graphit, um verschiedene Kräfte und Zeitlichkeiten zu evozieren, die durch Symbole, Geometrie und metaphysische Landschaften zusammenlaufen. 

Web: https://pierinalategola.wixsite.com/pierina-lategola 

Instagram: https://www.instagram.com/pierinalategola/ 

Ursprünglich verrichteten Frauen die schwere Arbeit des „Tangvaske” oder „Auswringens von Seetangseilen”, wie es aus dem Dänischen übersetzt heißt. Getrocknetes Seegras wird seit dem 16. Jahrhundert für sehr nachhaltige und isolierende Dächer verwendet. Das Decken von Dächern mit Seetang ist ein aussterbendes Handwerk, das nur noch auf der abgelegenen dänischen Insel Læsø existiert und als Kulturerbe bewahrt wird. Dieses Handwerk erzählt die Geschichte einer Zeit, in der fast alle Männer auf See waren und Læsø daher praktisch eine Fraueninsel war. In dieser audiovisuellen Welt reisten wir in die einzigartige Landschaft dieser Insel.

Biografie:

Edith van den Elzen ist eine Videokünstlerin, die Inspiration und Material in der Natur findet, von Nahaufnahmen kleiner Details bis hin zu weiten Landschaften. Sie arbeitet oft in Kollektiven zusammen und kooperiert mit Musikern, Performern und anderen bildenden Künstlern, wobei Improvisation eine wichtige Rolle spielt. Sie dokumentiert kreative Theaterprozesse oder Workshops mit einem ruhigen und beobachtenden Blick, wobei sie Musik und Klanglandschaften verwendet, die in diesem Moment aufgenommen wurden, und die Geschichte eher mit Bildern als mit textlichen Erklärungen erzählt.

Edith absolvierte ein Studium der Film- und Videokunst an der Kunstakademie in den Niederlanden, wo sie sich während ihres Studiums auch mit Malerei, Fotografie und Konzeptkunst beschäftigte. Seit kurzem lebt und arbeitet sie im Kollektiv antagon theaterAKTion, wo sie auch als Performerin tätig ist.

instagram.com/edithvandenelzen 

Dies ist eine Installation/Aufhängung aus Tonarbeiten, die als Opfergabe an die Erde entstanden ist.

Während meines kreativen Prozesses entdeckte ich, dass meine Hände die Erinnerung an meine Vorfahren bewahren, die ihre Kunst durch Töpfern zum Ausdruck brachten und mit den Gaben von Pachamama (Mutter Erde) ritualisierten.

Es handelt sich größtenteils um Gesichter mit geschlossenen Augen, die tief einatmen.

Eine tiefe Intuition in mir sagt mir, dass es sich um die Schutzgeister meines Landes handelt, die hierher kamen, um Grenzen zu überwinden und deutlich zu machen, dass territoriale Grenzen nur in den Köpfen der Menschen existieren.