Ein Projekt von

Kunst-Galerie und Ausstellung Losing Ground 

 

Vernissage und Führung am 26. Januar 2024

h 19:00, Protagon Performing Arts Gelände

KünstlerInnen werden anwesend sein

 

Ist ein Gemälde etwas, das “geachtet” und “betrachtet” werden muss? Ist die “Schönheit” eines Kunstwerks ein universeller Wert, der “bewundert” und bewahrt werden muss?

Wir glauben, dass die Kunst im Dialog mit der Kultur und der Gesellschaft ihre Zeit widerspiegelt, sich mit ihr und in ihr verändert. Sie ist politisch. Und sie ist nicht objektiv, denn sie ist eine menschliche Produktion, mit all ihren Widersprüchen. Wir wollen, dass Kunst und Theater für alle zugänglich sind und über die Mauern des Museums und des institutionellen Theaters hinausgehen; wir wollen sie in Beziehung setzen zu dem Raum, den wir verlassen, zu unseren Stadtvierteln, Straßen und Gärten.

Aus diesen Gründen möchte die Winterwerft Künstler aus verschiedenen Disziplinen zusammenbringen, um zusammenzuarbeiten, Ideen und kreativen Input auszutauschen und zu teilen sowie einen bereichernden und sicheren Raum zu schaffen, in dem Dialog und Reflexion stattfinden können. Wir nutzen unkonventionelle Räume und Kontexte, um Fragen aufzuwerfen und einen aktiven Dialog mit der Öffentlichkeit und anderen Künstlern anzuregen.

 

Loosing Ground- Galerie

Das diesjährige Thema lautet “Bodenlos” – metaphorisch, aber auch praktisch verlieren wir unser Land, unseren Boden, unseren Planeten und unser Erbe. Wie können Kunst, Musik und Theater dazu beitragen, die Öffentlichkeit zu sensibilisieren und zu politischem Handeln anzuregen?

 

In diesem Rahmen bietet die Losing Ground Gallery regionalen, nationalen und internationalen Künstler*innen Raum für die Präsentation und Ausstellung ihrer Werke – Gemälde, Skulpturen, Film, Videokunst, bildende Kunst, Fotografie und literarische Werke – sowie für Workshops und Performances.

 

In diesem Jahr zieht sich der Faden, der die Künstler in unserer Galerie verbindet, durch Raum und Zeit und hinterfragt unsere Lebensweise und den Umgang mit unseren Orten, sowohl was die Umwelt als auch das kulturelle Erbe betrifft. Den Boden zu verlieren bedeutet auch das Risiko, die Erinnerung an die Vergangenheit zu verlieren, wie uns das Projekt Verbrannte Orte mit der Fotoausstellung Verbrannte Orte – Bücherverbrennungen von 1933 in Erinnerung ruft. Betrachten wir die Orte anders, wenn wir wissen, was dort geschehen ist? Im Mittelpunkt stehen heutige Fotografien der verbrannten Orte, die den Betrachter zur Auseinandersetzung mit der Geschichte einladen.

Der Zeit auf poetische und doch konkrete Weise auf der Spur sind auch die Kunstwerke der Künstlerin Jule Seibel, in denen die für die Bilder verwendeten Materialien meist aus Pflanzen gewonnen werden: Kohl, Zwiebel, Rosen, Hibiskus und viele andere natürliche Materialien werden von der Künstlerin nach einem handwerklichen Prozess der Gewinnung und Aufbereitung verwendet. Daher behalten die Kunstwerke die Spur dieser Herkunft und verändern sich mit der Zeit in Farbe und Wiedergabe. Die Farben verblassen, verschwinden und sterben schließlich, was metaphorisch sowohl an einen natürlichen biologischen Prozess als auch an den künstlichen Verfall durch den menschlichen Einfluss auf den Planeten erinnert.

Das Thema der Veränderung und Anpassung an die äußeren Bedingungen ist auch in der Installationsreihe von Michael Schmidt präsent, der die durch sichtbare Grenzen auferlegten Grenzen in Frage stellt. In seinen Zeichnungen versucht der Künstler, das Leben von Einwanderern einzufangen, die ihre Heimat auf der Suche nach einem besseren Ort verlassen. Mit unterschiedlichen Techniken und Stilen sind die Kunstwerke an verschiedenen Orten des Festivalgeländes verteilt, darunter auch im Freien, und stellen die konventionelle Vorstellung von einem musealen Kunstraum in Frage. In diesem Zusammenhang spiegeln und hinterfragen die “displaced”-Kunstwerke den Status von Vertriebenen in fremden Ländern.

Daryna Blyshchuk hingegen wird eine Performance präsentieren, die sich direkt mit dem Thema der Heimatverbundenheit und der Vertreibung auseinandersetzt. Die Performance ist das Ergebnis von Eindrücken und Kunstwerken, die während des Projekts “through” entstanden sind, bei dem die Künstlerin eine Reihe von kunsttherapeutischen Interventionen in ihrem Heimatland Ukraine durchführte. In dieser Performance werden die Emotionen einer ganzen Nation thematisiert: Schmerz und Angst, Liebe und die Wiedergeburt der Nation, eingebettet in die Gefühle im Kontext des Krieges.

Im Zusammenhang mit den individuellen Wurzeln steht die Performance The birth of an utopia der Künstlerinnen Valérie Abeloos und Chiara Zanzi, die im Galerieraum stattfinden wird (siehe Festivalprogramm). In dieser Arbeit reflektieren sie darüber, was passiert, wenn wir unsere Mütter vergessen und dann auf sie zurückblicken und neue Beziehungen aufbauen.

An der Grenze zwischen Intimität und öffentlichem Raum befindet sich auch die Videoinstallation von Kemelo Sehlapelo, die den Prozess des “Waschtags” und schwarzes Haar als ein Archiv kleiner revolutionärer Handlungen zeigt. Auf eine Welt, in der die vorherrschende Erzählung von gewalttätigen Strukturen und unterdrückerischer Macht geprägt ist, antwortet Sehlapelo mit der Erschaffung kleiner Akte der Weltgestaltung, die eine persönliche Erzählung zurückfordern: die Handlungen des Waschens, das Pflegen ihres Haares wie das Pflegen eines Gartens, ein generatives Ritual, das eine alternative, sanfte Art der Besetzung dieses Planeten widerspiegeln kann.

Mit dem Mainstream-Narrativ von der Welt als “konsumierbarem” Ort zu spielen, es zu kritisieren und dennoch das Publikum zum Schmunzeln zu bringen, ist auch die Arbeit von Charlotte Rahn, die bewusst die Verlockungen der Konsum- und Warenwelt auf den Kopf stellt und damit auf die Auswirkungen hinweist, die diese trendigen Utopien auf unsere sozialen und ökologischen Strukturen haben. Die unwahrscheinlich lange Halbwertszeit von Kunststoff macht ihn zu einem Material, das der Vision einer möglichen Zukunft für Mensch und Natur Gestalt verleiht.

 

KünstlerInnen 

Valérie Abeloos and Chiara Zanzi ( Frankreich & Italien)

Darya Blyshchuk ( Ukraine )

Charlotte Rahn ( Deutschland )

Kemelo Sehlapelo ( Süd Afrika )

Michael Schmidt ( Chile )

Jule Seibel ( Deutschland )

Verbrannte Orte e.V  ( Deutschland )

Yaryna Kvitka ( Ukraine )

 

Programm:

26.01.2024 19 Uhr Vernissage und Führung mit KünstlerInnen 

31.01.2024 20.00-22.00 Uhr Offener Atelier-Workshop: Valérie Abeloos und Chiara Zanzi “Geburt einer Utopie”

02.02.2024 19.00 Uhr Aufführung von Valérie und Chiara “Geburt einer Utopie”

02.02.2023 19.30 Uhr Lesung von Verbrannte Orte / Burned Places

07.04.2024 20.00 – 22.00 Uhr Offene Atelierwerkstatt: Jule Seibel, Pflanzenfarbenmalerei

09.02.202 18.15 Uhr Aufführung von Daryna Blyshchuk “Through”

11.02.2024 3-5PM Offener Atelier-Workshop für Familien: Jule Seibel, Pflanzenfarbenmalerei

Ich entdeckte mein künstlerisches Interesse schon in sehr jungen Jahren und drückte mich kreativ auf viele verschiedene Wege. Meine künstlerische Laufbahn begann 2007 an der Fachoberschule für Fachoberschule für Gestaltung an der Gutenbergschule in Frankfurt. Während dieser Zeit wurde mir klar, dass ich mich dass ich mich weiter mit Kunst beschäftigen möchte und habe mich dann intensiv mit einer Bewerbungsmappe für verschiedenen Kunsthochschulen in Deutschland. Bevor ich mein Kunststudium an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach begann, hatte ich ein halbes Jahr in Peru in einem sozialen Projekt für Waisenkinder gearbeitet.

Vor Ort gab es ein Atelier, in dem ich selbst arbeitete, aber auch Kunstkurse für die Kinder betreute.

Kunstkurse für die Kinder und konnte so viele wertvolle Erfahrungen sammeln. Während meines Diplomstudiums an der HfG Offenbach (2011 – 2020) konnte ich mich in vielerlei Hinsicht kreativ ausprobieren und meine eigene künstlerische Bildsprache entwickeln.

Die Arbeit an meinem Diplom war der Beginn einer neuen intensiven Phase und eine Weiterentwicklung

Weiterentwicklung meiner künstlerischen Praxis. Nach Abschluss des Studiums an der HfG Offenbach (2020), folgten mehrere Ausstellungsprojekte, wie meine erste Einzelausstellung im saasfee Pavillon

in Frankfurt (2021), sowie die Zusammenarbeit mit der projektbezogenen Galerie XPINKY in Berlin. Außerdem arbeitete ich 2020 mit dem Kollektiv KlimaKriseKlitoris zusammen und habe bereits an einem Film an einem Film sowie an einem Kunst- und Performance-Festival in Berlin teil.

 

NO PROTECTION AGAINST DROWNING II, 2019

Die Arbeit NO PROTECTION AGAINST DROWNING II besteht aus zwei Gummiringen, die als plastische Bildträger malerisch weiterverarbeitet wurden. Teilweise noch prall gefüllt, teilweise schon eingefallen und durch Gips erstarrt, lassen die Ringe auf tragisch-ironische Weise organische Züge und menschliche Körperhaltungen vermuten. In Anlehnung an das populäre Motiv von Yin und Yang, dessen fernöstliche Exotik sich in der ewigen Wiederholung längst erschöpf hat, wartet das ungleiche Zwillingspaar mit überladenen und schrill-poppigen Bildwelten auf. Die Mischung aus bestimmten Symbolen und abstrahierten Strukturen verweist den Betrachter auf die Überforderung durch heutige Bilderfluten. Diese können sich scheinbar nur als aufgeblasene und gleichzeitig fragile Oberfläche behaupten.

 

BLOB ROSS

Aufbauend auf dem Prinzip des Wachstumsgedankens anhand des adaptiven Zyklus, den alle Ökosysteme durchlaufen und der die vier Stadien: Wachstum, Stagnation, Krise und Reorganisation beschreibt, können hierzu verschiedene Kunstwerke realisiert werden.

Die Werkreihe Blob Ross, sowie die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Schleimpilz eignen sich besonders gut zum diesjährigen Festival Thema „losing ground – bodenlos“, aufgrund ihrer komplexen Beschaffenheit und ihrer vielfältigen spezifischen Netzwerk- und Verwertungssysteme.

Pilze spielen eine wichtige Rolle in allen natürlichen Prozessen und beeinflussen somit den Boden, als auch jegliche Existenzgrundlagen auf dem Planeten Erde. Der adaptive Zyklus ist insofern ein Kreislaufsystem, welches mit Pilzen jeglicher Art in enger Verbindung und Zusammenarbeit bestehen. Im Gegenzug spielt Kunststoff hierbei als ambivalentes und omnipräsentes Material eine tragende Rolle, da es durch seine vielfältige Verwendung bereits seit langem Einzug in den Alltag des Menschen gehalten hat und somit auch den adaptiven Zyklus beeinflusst.

 

(Künstlerin, Kunstvermittlerin, Kunstpädagogin)
In der Kunstpraxis interessiere ich mich für die Materie der Malerei. Alle Materie, die lebendig ist, lebendig, verwandelnd, formend, verarbeitend ist, sowie alle Materie, die sich in sozialen Interaktionen und in der Gegenwart entsteht, sind wesentliche Momente meiner künstlerischen Ansatzes. Die Materie der Malerei wird in meiner künstlerischen Praxis meist aus pflanzlichen aus pflanzlichen Materialien, z.B. aus Rosen, Kaffee, Kurkuma, Zwiebeln, Hibiskus, Rote Beete, Rotkohl, Schwarzholz, Pilze (Tintling), Färberdistel usw. Das Ergebnis sind einzigartige Erscheinungen auf Papier, Leinwänden, Holz und Projektionen. Die Farben stehen für spezifische Extraktionen von Pflanzenmaterial, für bestimmte Kochtechniken, für chemische Reaktionen Reaktionen und Reifungsprozesse. Aufgrund der sich wandelnden Qualität der Pflanzenmaterialien, verändern sich die Kunstwerke ständig. Die Erfahrung beim Betrachten der Bilder immer wieder in einzelnen Momenten neu.

Bodenlos – die Sache mit der Malerei verliert an Boden

Die Kunstwerke Lila Gelb Braun 2x Zitrone, Schmetterlinge mit Skizzen auf dunkelblauer Landschaft, Schmetterlinge und Skizzen auf dunkelbrauner Landschaften) und Kaffee Kurkuma Skizzen mit Acryl verlierenverlieren immer mehr an Intensität der Farben.Die Farbenverblassen, verschwinden und sterben schließlich aus. Auch die Kunstwerke verlieren stetig ihre Pigmente – sie fallen einfach von der Oberfläche ab. Jeder Transport von ihnen birgt ein hohes Risiko, dass sie beschädigt zu werden. Sie reagieren also auf ihren Gebrauch; im weiteren Sinne reagieren sie auf ihr soziales Umgebung. Der Prozess der Beschädigung und des Verfalls ist mit Gefühlen von Verlust, Demut undMelancholie. Gleichzeitig spornen diese Emotionen zu einer Fortsetzung in der Not an, sieeinen Neubeginn und eine Neuproduktion meiner künstlerischen Praxis an.Außerdem bedeutet der Verlustetwas zu verlieren, bedeutet auch, alte (visuelle) Ideen, Gewohnheiten und Denkweisen aufzugeben.Dies wirft ein neues Licht auf die Suche nach ungesehenen und unerforschten künstlerischen Wegen.Während die Kunstwerke sich selbst verlieren könnenverlieren, verliere ich nie einen künstlerischen Ansatz, denn ich kenne alle Techniken um neue Dinge hervorzubringen. Übrigens ist der Austausch in einer Gemeinschaft genauso wichtig wie mein individueller Prozess im Atelier. Ohne Freunde, Workshop-Teilnehmer, Menschen die interessiert sind,hätte ich nicht all die Ideen und das Wissen durch meine Kunst gewonnen.

 

 Workshops

Mi 07.02.2024 20-21 Uhr, Protagon Kulturgelände, Halle

 Workshop für Erwachsene: Malerei mit Pflanzenfarben

In diesem Workshop werden wir mit den Farbsäften verschiedener Pflanzen auf Papier malen. Du lernst ein paar Pflanzen kennen und kannst sie beim Malen gleich sinnlich erleben. Mit ein paar Tricks lösen wir chemische Reaktionen aus und ändern Farbe und Oberfläche. Das Experimentieren, Entdecken und Verweilen sind hier übrigens sehr willkommen!

So 11.02.2024 15-17 Uhr, Protagon Kulturgelände, Jurte

Workshop für Familien: Malerei mit Pflanzenfarben

In diesem Workshop werden wir mit den Farbsäften verschiedener Pflanzen auf Papier malen. Du lernst ein paar Pflanzen kennen und kannst sie beim Malen gleich sinnlich erleben. Mit ein paar Tricks lösen wir chemische Reaktionen aus und ändern Farbe und Oberfläche. Das Experimentieren, Entdecken und Verweilen sind hier übrigens sehr willkommen!

 

Kemelo Sehlapelo ist eine südafrikanische Tanzkünstlerin, Performerin und Autorin. Sie ist an vielen Orten zu Hause: Kapstadt, Pretoria, Budapest und jetzt Deutschland. Ihre Arbeit zeichnet sich dadurch aus, dass sie die sich oft verändernden, unsichtbaren inneren Realitäten von Identität und Persönlichkeit durch und mit Bewegung, Stimme und Text präsent macht.

No Small Thing

Ein Film im Stil eines Heimvideos, der den Prozess des “Waschtags” und schwarzes Haar als Archiv dokumentiert. no small thing dokumentiert den “Waschtag” als ein Ritual und eine Reise der Erinnerung. In verschiedenen Gesprächen teilen mehrere schwarze Frauen ihre Haargeschichten. Unser Haar wird als Ahnenarchiv der Erfahrung geehrt.

Hergestellt von und mit Kemelo Sehlapelo, Nya Bardouille, Princess Ijeoma und Laura Stellacci.

 

Michael Schmidt, ein in Frankfurt am Main lebender chilenisch-deutscher Künstler, entpuppt sich als ein Schöpfer, dessen Leidenschaft für die darstellenden Künste ihn schon in jungen Jahren dazu brachte, die Welt der Schauspielerei unter der Anleitung des Fernando González Theatre Club in seiner Heimat Chile zu erkunden. Trotz dieser anfänglichen Verbindung waren die Zeichnung und die plastischen Künste sein ganzes Leben lang ständige Begleiter, und obwohl er nie eine formale technische Ausbildung in diesen Disziplinen erhalten hat, verfügt er über ein immenses Ausdruckspotenzial. In den letzten Jahren seines Aufenthalts in Deutschland beschloss Schmidt, einen großen Teil seiner Zeit der Malerei zu widmen, da er sie als integralen Bestandteil seiner künstlerischen Entwicklung betrachtete. Auf seiner Reise durch Europa entstand seine Sammlung “Strange Beings”, eine Zusammenstellung von Zeichnungen, die eine Vielfalt von Charakteren, Emotionen und Anliegen in einem abstrakten Stil einfangen. Mit dieser Serie sucht er den Dialog mit dem Betrachter, stellt Konventionen in Frage und versucht, neue Perspektiven auf die künstlerische Erfahrung zu eröffnen. Seit 2023 ist er Teil des Antagon Ensembles.

Seres Extraños

“In einem Versuch, die durch sichtbare Grenzen auferlegten Beschränkungen in Frage zu stellen, suchen diese Kunstwerke ihren eigenen Raum, in dem sie sich manifestieren können. Die Rahmen, die die Leinwände umgeben, zeigen lediglich den Ort an, an dem ein Bild existierte, aber aus verschiedenen Gründen ziehen diese Werke es vor, sich zu bewegen und in anderen Umgebungen ein neues Zuhause zu finden. Indem sie versuchen, das Leben von Immigranten einzufangen, die ihr Heimatland auf der Suche nach günstigeren Bedingungen verlassen, erkunden diese Gemälde, die verschiedene surreale Wesen darstellen, den Raum und hinterlassen nur den Abdruck ihrer Herkunft (den Rahmen). Sie nehmen Räume ein, von denen sie sich nie hätten vorstellen können, sie zu besetzen.

Mit verschiedenen Stilen und Materialien versucht diese Sammlung von Werken, jeden Winkel der zu entdeckenden Umwelt zu erforschen und die Räume zu bewohnen, die zwischen uns stehen. Als nur sichtbare Wesen versuchen sie, die Erfahrungen des Künstlers in einem anderen Land bis zu diesem Augenblick auszudrücken.

Diese Zeichnungen sind in jedem Winkel des Hauses zu finden, auch im Außenbereich, und wollen den Besucher bei seiner Suche überraschen, indem sie die konventionelle Vorstellung von einem Kunstraum in Museen oder Galerien in Frage stellen. Diese Werke sind so konzipiert, dass sie Widerstand leisten und durch ihre Anpassung an die Umgebung und die Reaktion, die sie beim Publikum hervorrufen, einen Wert erhalten. Ebenso wichtig ist es, einen Raum zu haben, der dieses Konzept erklärt und das Gefühl einer Kunstausstellung vermittelt. Deshalb müssen die Bilderrahmen einen bestimmten Platz für ihre Anordnung haben.

I consider that this removal of the paintings from their usual place can also be interpreted as a reflection of the movement of people in the world, and how they move from one place to another or lose their roots in foreign soil.”

Chiara Ines Zanzi

Wo ich aufgewachsen bin, gibt es an jeder Ecke des Horizonts Berge. Einer von ihnen hat die Form eines kleinen Dreiecks, das man nur zu bestimmten Tageszeiten durch den Nebel sehen kann. Tag. Meine Mutter heißt Annalisa, sie hat im Zug immer Geschichten geschrieben. Vor meinem Fenster steht ein Baum, und am Morgen ziehen die Vögel in große Stürme. Ich teile ein Zimmer mit Laura, die weiß, wie man Brot im Ofen backt. backen. Mein Freund Andrea hat mir erzählt, dass er in den Bergen einen alten Mann getroffen hat, und sie haben Meine Freundin Emma erzählte mir, dass sie im Bus geweint hat und eine Familie bei ihr saß. und eine Familie saß neben ihr, ‘schau, jetzt weinen wir auch’, sagten sie. Ich will so langsam sein, ich will langsam sein. Ich bin es leid, schnell und verloren zu sein. Ich möchte lieber verloren und langsam sein.

Valérie Abeloos

ein Geist voller Träume, Gedanken und Hoffnung

ich entdeckte die Hoffnung in einem Feld voller Schafe

Als ich mitten in diesem grünen Rechteck saß, um zu meditieren, wurde ein Schaf neugierig und näherte sich langsam

es roch mich, ich begrüßte es sanft, und es legte sich zum Schlafen auf mein linkes Knie

In diesem Moment schien es, dass sie die älteren Schafe dazu inspirierte, ihre Angst hinter sich zu lassen
und sich mir anschließen

ich war von Vertrauen umgeben

die natur inspiriert mich zum schaffen, lebewesen sprechen und ich möchte mir die zeit nehmen ihnen zuzuhören

wie ich meinen eigenen Träumen zuhöre

 

Birth of an utopia – Paintings

Wir haben unsere Mütter vergessen, die Namen der Bäume… Und jetzt, wo wir sie wieder ansehen

betrachten, werden wir neue Namen erschaffen und neue Beziehungen zu denen aufbauen, die ausradiert und vergessen wurden…

 

Workshop

31.1.2024 19-21 Uhr Protagon Kulturgelände, Halle

Die Geburt einer Utopie

“Grounding utopias” ist ein Workshop, in dem wir uns gemeinsam Utopien vorstellen werden.

Wir werden unsere Wünsche teilen und sie durch Malen, Schreiben und Geschichtenerzählen verankern.

Wir werden die Auswirkungen des Raums auf die Vorstellungskraft erproben und Praktiken des urbanen Widerstands austauschen.

 

Performance 

2.2 um 19:00 Uhr Protagon Kulturgelände, Foyer

Die Geburt einer Utopie, 15 min

A birth of an Utopia, 15 min

 

Versteckt durch zwei getrennte quadratische Zelte beginnen zwei Wesen einen Dialog. “Wir müssen verstehen, was wir verstehen müssen”, sagen sie und malen Bilder, die sie aus den verborgenen Augen des anderen sehen können. Unter ihren quadratischen Zelten malen sie.

Hände krabbeln unter den Schleier, sie greifen nach anderen Händen und füllen sie mit Dingen. Mit Stimmen, die sicher durch den Schleier gehen, und mit Händen, die Schätze austauschen, entstehen aus dem begonnenen Dialog Visionen. Utopien werden lebendig, wenn Abwesenheit geschaffen wird; wenn Regeln außer Kraft gesetzt werden, entstehen ohne Zögern Bilder, und wenn Bilder geschaffen werden, rufen sie schnell andere herbei.

“Verbrannte Orte” hat es sich zum Ziel gesetzt einen Beitrag zur Erinnerungskultur zu leisten.

  •    Wie sehen die Orte, fast 90 Jahre nach den

Bücherverbrennungen, heute aus?

Welchen Zweck erfüllen die Orte heute und wie betrachten

wir sie in dem Wissen um das historische Geschehen?

Gibt es sichtbare Zeichen der Erinnerung an den Orten und

sind regionale Formen einer Erinnerungsarbeit erkennbar?

Mit diesen Fragen befasst sich das Projekt.

Auf der Internetseite “verbrannte-orte.de” entsteht im Laufe der Zeit ein

Atlas. Aktuelle Fotografien rücken dort ausgewählte Perspektiven ins Blickfeld

und machen die vergessenen Orte der Bücherverbrennungen sichtbar. Interaktive

Panoramen ermöglichen ein individuelles Entdecken der historisch belegten Orte.

Hintergrundtexte und historische Materialien laden die Betrachter*innen zu

einer Spurensuche ein. Durch Karten und Stadtpläne wird die Lokalisierung der

“Verbrannten Orte” möglich gemacht.

Die Dokumentation der Orte und der Ereignisse, die Anregung zur Erinnerung an das Geschehene und die Möglichkeit aus Erkenntnissen Handeln zu schaffen, bilden die Säulen der Projektarbeit.

Eine derart vollständige Informationssammlung zu den Orten der Bücherverbrennungen war bisher nicht vorhanden. Im Onlineatlas werden Informationen zu den Orten der Bücherverbrennungen aus verschiedenen Quellen zusammengeführt, durch deren ständige Aktualisierung eine wachsende, möglichst umfassende Plattform entsteht.

 

Verbrannte Orte

Schon drei Monate nach ihrer Machtübernahme begannen die Nationalsozialisten mit der Ausübung von Einschüchterungspraktiken. Ein Höhepunkt bildete die Erstellung der “Liste des undeutschen Geist“, auf der sich 131 Autoren befanden. Bücher dieser Autoren wurden am 10. Mai 1933 auf öffentlichen Plätzen, in mehr als 20 Städten, verbrannt. Dies wurde als „Aktion wider den undeutschen Geist“ bekannt. Diese Aktion und die Verbrennungen wurden aus dem Kreise der Deutschen Studentenschaft zentral organisiert

Neben der systematischen und zentral organisierten Verbrennung gab es an vielen Orten weitere Bücherverbrennungen, welche von lokalen Akteuren organisiert wurden.

An kaum einem Ort gibt es heute eine sichtbare Erinnerung. Viele Menschen wissen, dass es in Deutschland Bücherverbrennungen gab, kennen jedoch oft nur die Verbrennungen im Rahmen der „Aktion wider den undeutschen Geist“ und hier wiederum meistens nur die festliche Verbrennung auf dem Bebelplatz in Berlin. Der Großteil der über 160 Verbrennungen ist der Allgemeinheit kaum bekannt.

Betrachten wir die Orte anders, wenn wir wissen was dort passiert ist? Diese Frage steht im Fokus der Ausstellung “Verbrannte Orte – Bücherverbrennungen von 1933”. Im Mittelpunkt stehen Fotografien der heutigen verbrannten Orte und laden die Betrachter ein sich mit der Geschichte auseinanderzusetzen. Ergänzt werden die Fotografien durch Hintergründe zu den nationalsozialistischen Bücherverbrennungen, der NS-Literaturpolitik und den betroffenen Autor:innen. Mit einem Themenschwerpunkt auf Demokratie und Meinungsfreiheit verbindet die Ausstellung die Geschichte mit heutigem Engagement. Über 160 Verbrennungen gab es damals in Deutschland, nur wenige sind heute noch bekannt, ein guter Grund sich mit diesem Teil der Geschichte zu beschäftigen.

 

Lesung

02.02.2024 19.30 Protagon Kulturgelände, Foyer

“Verbrannte Orte” auf Deutsch

Betrachten wir die Orte anders, wenn wir wissen, was dort geschehen ist? Diese Frage steht im Mittelpunkt der Ausstellung Verbrannte Orte – Bücherverbrennungen von 1933. Im Mittelpunkt stehen heutige Fotografien der verbrannten Orte, die den Betrachter zur Auseinandersetzung mit der Geschichte einladen. Ergänzt werden die Fotografien durch Hintergrundinformationen zu den nationalsozialistischen Bücherverbrennungen und den beteiligten Autoren. Über 160 Verbrennungen gab es damals in Deutschland, nur wenige sind heute noch bekannt – ein guter Grund, sich mit diesem Teil der Geschichte zu beschäftigen.

Daryna Blyshchuk, geboren in der Ukraine, begann ihre künstlerische Reise an einer Kunstschule in Kyjiw, wo sie sich in die Kraft der Kunst verliebt hatte. Über viele Jahre hinweg lebte sie in der Ukraine als Künstlerin, bevor sie vor drei Jahren nach Wiesbaden kam, um Medien- und Bewegtbildmedienwissenschaften zu studieren. Da sie die ersten Kriegsjahre in ihrem Heimatland miterlebt hat, führt sie viele ehrenamtliche Veranstaltungen in der Ukraine durch und verbreitet ihre Antikriegsideen in Deutschland.

Ihre künstlerische Laufbahn ist geprägt von einer tiefen Verbindung mit der Heimat und Erde, mit dem Geist und Himmel. Diese Verbindung zwischen Kunst und Natur ermöglicht es ihr, Geschichten auf innovative und fesselnde Weise zu erkunden.

Das Theater, als kraftvolle Form der kreativen und spirituellen Verbindung, fasziniert sie besonders. In ihren Arbeiten strebt sie danach, die Vielfalt menschlicher Emotionen zu erforschen und durch die Kunst Brücken zwischen verschiedenen Welten und Menschen zu schlagen.

 

Through

In einem eindringlichen Panorama der menschlichen Seele erzählt die Ausstellung “Through, Наскрізь, Hindurch”

erzählt Geschichten, die von tiefen Gefühlen, Kriegsnarben, Liebe, Freude, dem inneren Kind und tiefen Gedanken geprägt sind.

Die Werke, die von Menschen zwischen 7 und 60 Jahren aus der Ukraine geschaffen wurden, spiegeln die Vielfalt und den Reichtum der menschlichen Erfahrung.

Die künstlerische Odyssee begann in den westlichen Gefilden von Terebovlia und führte durch die pulsierenden Straßen von Kiew zu den südlichen Orten Tuzly und Dywisija. In den Klassenzimmern, Waldlichtungen und kreativen Räumen entfalteten sich die einzelnen Erzählungen, inspiriert von einem breiten Spektrum an Emotionen die von der Künstlerin in den Therapieworkshops hervorgehoben wurden. Die Teilnehmer dieser kreativen Expedition, die von Freiheit beseelt war, entwarfen ihre Werke während Kunsttherapie-Workshops, die von Daryna Blyshchuk kuratiert und mit spirituellen Meditationen und Live-Instrumenten. Von kräftigen Pinselstrichen bis zu zarten Schattierungen, von farbenfrohen Explosionen bis hin zu sanften Akzenten – jedes Werk erzählt eine individuelle Geschichte von Menschen. Weder bei der Wahl des Mediums noch bei der Form des Ausdrucks wurden Grenzen gesetzt. Die Künstler hatten die Wahl, ihre Werke mit nach Hause zu nehmen oder sie für zukünftige Ausstellungen aufzubewahren. Anonymität oder persönliche Beschriftung, die Entscheidung war den Künstlern überlassen.

Diese Ausstellung, eine Galerie der menschlichen Vielfalt und des menschlichen Ausdrucks, lädt Sie ein, in die Geschichten einzutauchen, die durch die Kunst geschrieben wurden. In jedem Pinselstrich und jeder Nuance spiegeln sich die menschlichen die vom Leben während des Krieges geprägt sind, kraftvoll und unverfälscht, offenbart sich in jedem Pinselstrich und jeder Farbnuance Farbe, in jeder Form und Figur.

 

Performance

9.2.2024 18.15 Uhr Through 45 min.

“Um meinen eigenen Schmerz nicht zu fühlen, beschloss ich, den Schmerz meiner Brüder und Schwestern zu fühlen, ihn durch und durch zu fühlen…”

Das “Through”-Projekt entstand aus dem drängenden Bedürfnis, aktiv zu werden und der Heimat sowohl lokal als auch international zu helfen, den Schmerz der Menschen durch Kunst zu transformieren. Während der Sommerferien wurde ein Kunsttherapiezyklus in verschiedenen Städten ,verteilt über vier verschiedene Regionen der Ukraine, durchgeführt, der die emotionalen Facetten der Menschen durchleuchtete. Der Name des Projekts, “through”, spiegelt den Prozess wider, bei dem die die Bilder der Menschen durch die Seele, den Körper und Geist völlig gefühlt werden.

Nach der Auswahl von 14 Bildern, die einen tiefen Eindruck hinterließen, kreierte Daryna eine beeindruckende Kunstperformance. In dieser Performance werden die Emotionen einer ganzen Nation thematisiert: Schmerz und Angst, Liebe und die Wiedergeburt der Nation, eingebettet in die Gefühle im Kontext des Krieges. So entsteht das Bild einer Nation aus individuellen Strichen, Falten und Klängen.

 

Ich bin Performerin, Sängerin, bildende Künstlerin und Reise-Vloggerin. Seit 2009 singe ich als Leadsängerin ukrainische traditionelle Lieder in meiner Band Folknery, die in der Ukraine sehr bekannt ist und zahlreiche Auftritte in vielen Ländern der Welt (Europa, Asien, Australien) hatte. Ich beherrsche die Technik des traditionellen ukrainischen Volksgesangs, die “weiße Stimme” genannt wird. Ich spiele auch einige Musikinstrumente (wie Maultrommel und Schlagzeug).

 

Als Darstellerin habe ich viel Erfahrung mit der Teilnahme an verschiedenen Theatervorstellungen, sowohl in der Ukraine als auch in Europa. Meine Hauptdisziplin als Schauspieler ist das physische Theater. Ich habe 2010 die MAPA (The Moving Academy for Performing Arts) abgeschlossen. Von Januar 2012 bis Mai 2012 arbeitete ich als Darstellerin mit der Theatergruppe I.T.PER – Ukraine/Frankreich. Wir haben die Aufführung “Live” gemacht. Ich habe auch im Theater “KROT” und im Ersten Frauentheater gespielt.

 

Im Februar 2023 trat ich beim Theaterfestival “Winterwerft” in Frankfurt, Deutschland, auf. Ich nahm an der kollaborativen Performance “PHOENIX” teil.

Als bildende Künstlerin praktiziere ich seit 2019 grafische Zeichentechniken. Ich habe an mehreren Gemeinschaftsausstellungen teilgenommen und hatte meine persönliche Ausstellung “Motherhood” in Schottland.

Durch meine Kunst versuche ich, Antworten auf meine eigenen tiefen Gefühle zu finden und zu geben, was Heimat für mich bedeutet, wie tief ich meine Wurzeln fühle, warum Mutterschaft einen solchen Einfluss auf mein Bewusstsein hat. In meiner Kunst zeige ich meine eigenen Gefühle, wer ich als Frau bin. Seit dem 24. Februar 2022, als Russland die Ukraine angriff, stelle ich in meiner Kunst immer mehr Schmerz dar. Ich, als Künstlerin, die 36 Länder mit dem Fahrrad bereist hat, die mit eigenen Augen das Umweltproblem in der Welt gesehen hat

Welt gesehen hat, gesehen hat, wie wir unseren Planeten zerstören, schmerzt mich diese Frage sehr. Aber die Frage nach meiner eigenen Ökologie der Gedanken, die leider wegen des Krieges, wegen des Verlustes des vorherigen Lebens, vor dem Krieg, oft destruktiv sind, schmerzt mich nicht weniger. Also zeige ich alle meine Gefühle in der Kunst. Und meistens ist es schwierig, sie in Worte zu fassen

 

Das Bild “Die Hüterin der eigenen Wurzeln und die Erinnerung an den Stamm” entstand 2023 in Hexham im Vereinigten Königreich, wo ich jetzt lebe, weil in meinem Land Krieg herrscht. Das Bild ist aus der Serie “Mutterschaft”.

Am 24. Februar 2022, als Russland die Ukraine angriff, wurde mein Leben auf den Kopf gestellt. Die Prozesse der Trauer, des Kummers und des Schmerzes begannen. Auch das Nachdenken über die Zugehörigkeit zum Stamm, der meine Basis ist, begann. Ich vertiefte mich in mich selbst auf der Suche nach einprägsamen Elementen der Selbstidentifikation. Ich bin eine ukrainische Frau, die wie eine Blume gepflückt und an einen anderen Ort versetzt wurde. Meine Wurzeln haben den Boden ihrer Heimat verloren, aber sie haben nicht die Erinnerung verloren, die mit der Muttermilch weitergegeben wurde. Ich trage meine Sprache, traditionelle Lieder, ich erinnere mich an die Geschichte, ich erinnere mich an die Geschichten meiner Kindheit und Jugend, ich erinnere mich an die Gerüche und Farben meines Landes, ich erinnere mich an kalte Wintermorgen, ich erinnere mich an die Blumen auf dem Feld, auf dem meine Großmutter lebte, ich erinnere mich an meine Familie und meine Freunde. Wir sind jetzt weit voneinander entfernt, aber ich versuche, das Beste von dem, was ich hatte, zu bewahren. Ich schaue mir meine Gedanken und Gefühle an und frage mich oft, ob ich sie ohne ihren Heimatboden festhalten kann…

Ich weiß mit Sicherheit, dass unsere ukrainischen siegreichen und revolutionären Farben schwarz und rot sind. Das sind die Farben, die mich in diesem Jahr am meisten beeindrucken. Schwarz steht für Trauer, und Rot für Liebe.

Ich bin eine zerbrechliche Blume, die sehr weh tut, denn anstatt zusammenzukommen und unseren Planeten zu retten, bringen wir uns gegenseitig um und führen Kriege.

Medien, die ich für dieses Bild verwendet habe: Papier, Tinte, Acryl, Pastell, Öl.

Größe: 56×76 cm

 

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